Archive for septiembre, 2012


Nuestros amigos de Registromx recién postearon una reseña de “Reporte de Guerra” de Prisionero 13, uno de los lanzamientos de ruido horrible en 2011. Vale la pena echar una ojeada a los archivos de esta revista virtual y, por supuesto, al cada vez más extenso catálogo de Mario Quiroga (Vertex Germ, Prisionero 13, Vulgar Disease, etc.). Por cierto, aún hay algunas copias disponibles. Si estás interesado, manda un correo a ruidohorrible at yahoo.com

Jueves 27 de septiembre, 20:00, Ex-Teresa, Arte Actual (Licenciado Verdad 8, Centro Histórico, D.F.), ENTRADA LIBRE

Hilaratura Crama

Hilaratura Crama es un proyecto que conjunta fundamentos de acusmática, música concreta, ruidismo y música industrial en la confección de un sonido dinámico y potente. Hilratura Crama enfatiza el uso de instrumentos fabricados así como procedimientos y técnicas generados por los propios ejecutantes. Magnetismo, osciladores análogos, cintas VHS, circuit bending, engranes y resortes amplificados, técnicas extendidas, voz y looping fluctuando entre tensión y catarsis. Hilaratura Crama presenta su debut con una alineación que reúne a integrantes de la O.R.K., Los Heraldos Negros, Nébula Crack, Sub-División, amniosis y Los Malacopa.http://soundcloud.com/hilaraturacrama

Moment Form

Proyecto formado en 2007 por 2 jóvenes compositores poblanos interesados en las nuevas técnicas de composición instrumentales y electrónicas. Moment Form han explorado el campo de la improvisación libre, conjugando sus influencias e intereses, así como su preparación profesional para crear un panorama sonoro de gran variedad estética.
El proyecto ha despegado de manera positiva, permitiendo su presentación en diversos foros de la ciudad de Puebla, teniendo la oportunidad de compartir escenario con personalidades de la nueva música en México como Carlos Chinchillas Terrazas y Carlos Iturralde, así como ser banda fundadora y organizadora del Festival anual de música noise, Noise Fest de Puebla.
Miembros
Fernando Aguirre: Batería, Percusiones, Objetos de metal.
Iván Macuil: Bajo Eléctrico, Sintetizadores, Objetos & Juguetes, Live Electronics.

www.myspace.com/momentformex

 

CRALON (Luis Ortega–GDL.MEX)

Proyecto de noisecore enfocado en  la improvisación libre y la experimentación sonora con  bajo eléctrico e instrumentos  no musicales procesados por pedales análogos en tiempo real.

A las 4 pm de este viernes 21 de septiembre, se llevará a cabo el showcase de VOLTA en la ENAP Xochimilco como parte de BINARIO, presentando a Cacophonic Joy, Juanjose Rivas y Los Heraldos Negros.

Más información aquí:

http://www.festivalbinario.com.mx/presentaciones/

Arv & Miljö – Orientering I Denna Värld (Ljud & Bild, LB005, 2012)

Granular, herrumbroso, “Orientering I Denna Värld,” debut de larga duración de Arv & Miljö tiene tan poco refinamiento textural que me sorprende que haya sido editado en CD. Breve y conciso, este álbum reproduce siete cortes de una marca sonora telúrica, monolítica, muchas veces rayana en lo inmanente. A pesar de unas cuantas ocasionales líneas tonales probablemente provenientes de sintetizadores -“Fukt”-, “Orientering I Denna Värld” está constituido a base de sonidos orgánicos cuasi elementales, orientados hacia la espesura de registros graves y aplastantes, sin caer en los espejismos subsónicos de lo digital.

Con una paleta sonora sumamente escueta -básicamente reducida a pulsaciones tunélicas graves y distorsionadas, sonidos metálicos indescifrables y feedback-Arv & Miljö alcanzan a explorar ambientes y visiones sumamente claras, conducentes y distintivas. De cierto modo son un más estoico reflejo escandivo de sus compañeros de disquera Lettera 22, ya que ambos sostienen un sonido intempestivo y visceral, con claras referencias a la old school en textura y forma, aunque siempre planteando nuevas interrogantes al cosechar una proliferación de ricas variedades sónicas. Lo único malo de este álbum es que parece haber una cierta premura en el desarrollo de los temas, siendo abortados antes de llegar a lo grandilocuente y por ello accediendo apenas a lo impactante -el final “Rost” podría ser una digna excepción-. Por su naturaleza, explosiva y efímera, me queda la sospecha que no se trata tanto de un álbum como de una selección recopilatoria, pero, aún así, debo subrayar que se trata de una mucho más afortunada que la mayoría. (s.s.)

 

Never Say When: 30 Years of Broken Flag (The Dome, 4 a 7 de mayo de 2012)

Never Say When fue un festival organizado por Steve Underwood (Harbinger Sound) y Peter Johnstone (Second Layer) para conmemorar los treinta años de la fundación de la disquera inglesa Broken Flag, propiciadora del surgimiento de una de las más importantes y primordiales escenas post-industriales internacionales. Solamente para sugerir el alcance que logró a pesar de su modesta red de distribución y lo precarios de sus medios, cabe mencionar que algunos de los más fundamentales y primeros trabajos de artistas como Maurizio Bianchi (“Symphony for a Genocide,” 1983), Toll (“Christ Knows,” 1986), Controlled Bleeding (“Distress Signals,” 1984) y Mauthausen Orchestra (“Conflict,” 1983)-entre otros que omito en estos momentos para evitar redundar- fueron publicados por Broken Flag.

El proyecto de Never Say When parecía extremadamente ambicioso desde un principio: su objetivo era reunir a proyectos que apenas se habían presentado esporádicamente en los últimos años con algunos artistas emblemáticos de la escena actual. Su programa presentó a más de una veintena de artistas en apenas tres días y el grueso del evento recayó, como era de esperarse, sobre el fundador de la disquera, Gary Mundy, y algunos de sus más cercanos colaboradores, Anthony di Franco y Phillip Best, quienes presentarían por separado a cada uno de sus proyectos durante el festival y terminarían reuniéndose bajo el nombre de Ramleh.

Ramleh, una de las leyendas del power electronics, seguidores inmediatos de Whitehouse y Come Organisation, apenas vieron su legado sobrevivir a través de los años gracias al culto, los bootlegs —algunos sumamente costosos— y las escasas ediciones constantes de su material, tales como los tres volúmenes de “We Created, Let’s Take It Over” editados por Pure. En general, algo parecido podría decirse del acervo de Broken Flag, cuyos trabajos se encuentran actualmente confinados a la disponibilidad de una serie de recientes antologías y reediciones (cabe mencionar la fascinante y extensísima colección “Broken Flag: A Retrospective 1982-1985” puesta en circulación por Vinyl On Demand inicialmente en vinilo y hoy reeditada en formato de cd). El material original de esta disquera se encuentra efectivamente extinto, alcanzando sumas considerables en subastas y ventas directas (hay una versión original de “Awake!” disponible en discogs por la moderada suma de 895 libras esterlinas) y sus discos son sin duda, algunos de los que tienen bootlegs más costosos y rasgos más fácilmente falsificables.

Alinéandose sónicamente a la par de la experiencia personal de su creador, Broken Flag vio su trayectoria desviarse radicalmente durante sus seis años de historia, ofreciendo un refugio a una gran gama de artistas con sonidos igualmente variables, como pudo observarse efectivamente en este festival/homenaje. Desde las propuestas más recalcitrantes hasta las más rítmicamente contagiosas tuvieron cabida en esta celebración. Por supuesto, hablar de este evento exige considerar su contexto; Londres, ciudad cosmopolita repleta de seguridad y alienación individualista, resultó un marco costosísimo, difícil de transitar y ridículamente contradictorio con respecto al de los legendarios, decadentes años que vieron nacer a Broken Flag.

Londres, como la Ciudad de México, es grande y caótica; el marco temporal del evento coincidió además con el llamado Bank Holiday y una serie de reparaciones pre-Juegos Olímpicos a las líneas del tren y metro, lo cual dificultó aun más el tránsito, haciendo un asunto bastante complicado calcular salidas y llegadas. Milagrosamente alcanzamos a llegar a la hora indicada a la entrada de The Dome el primer día del festival, pero esto no sirvió de mucho. Tras hacer fila por más de una hora, nos enteramos que Sewer Election y Treriksröset ya habían tocado. La premura era hasta cierto punto comprensible; los organizadores tenían que dar tiempo suficiente para que las cinco bandas del cartel pudieran tocar. Sin embargo, no dejar que la gente que ya se encontraba fuera del recinto pasara fue un muy mal detalle. Al entrar Le Syndicat ya se encontraban sobre el escenario.

Día 1

Le Syndicat

Junto a Entre Vifs y Jean-Marc Vivenza, Le Syndicat representó la avanguardia del movimiento post-industrial francés durante la década de los ochentas. Su sonido característico, explorado en cintas como “Relikat,” “Schrage Musik” y “Corrumpate,” es extremadamente duro y abrasivo; no obstante, al momento de su regreso a finales de la década pasada, Le Syndicat parecía haberse metamorfoseado en un proyecto generador de  sonidos experimentales oníricos y collages sonoros  a través de recursos de secuenciación digital y sampleadores y loopers. Resultaba obvio que durante su presentación sería improbable escuchar algo similar al viejo Le Syndicat.

Lo que terminaron presentando, sin embargo, no tenía mucho que ver ni con lo uno ni con lo otro. Frecuencias graves y profundas, beats rotos, atmósferas cuidadosamente matizadas. La ejecución estuvo basada en la manipulación de tracks pregrabados y algo de laptopismo mezclado con el empleo de sintetizadores. No estuvo mal pero decididamente no se trató del mismo grupo que produjó las fundacionales muestras de ruido editadas por Broken Flag hace ya casi treinta años.

Con-Dom

La presentación de este proyecto era muy esperada y con justa razón. Con-Dom es uno de los pocos artistas post-industriales que aun poseen el poder de confundir y provocar plenamente, sobre todo a públicos como el de este festival, que en buena medida estaban poco familiarizados con su trabajo. Su artífice, Mike Dando, es un experto en la producción de un lenguaje artístico -oscuro y ambiguo- tan inestable, que lo ha hecho ser identificado como un extremista en más de un ocasión. Sus intensas apariciones en directo, documentadas principalmente en “Consumer Electronics #5” (L. White Records, 2005) y en el documental acerca del festival Art Demolition en Taiwan, no suavizan mucho su imagen. Intimidante e invasivo, Dando traspasa los tácitos límites de la relación espectador/artista, tocando, desafiando y hasta abusando de miembros de su público en estos documentos.

El set de Never Say When de Con-Dom adoleció en este aspecto, aunque esto no quiere decir que la provocación estuviera ausente durante su presentación; su actuación fue amenazante gracias a la presencia inquietante de Dando y a un perfecto equilibrio entre sonido y video. En términos aurales, si se puede hablar de old-school, su performance lo fue tanto como se puede llegar a serlo; Dando básicamente vocíferó sus líricas/consignas sobre las cintas que traía preparadas. Esta acción, en apariencia tan sencilla, tuvo la función de enganchar los crípticos contenidos líricos y la áspera electrónica de Dando con sus abrumadoras proyecciones —repletas de imágenes de violencia, conflictos raciales y ejecuciones. Su contundencia y su desempeño como performer, clavando su mirada en el público y moviéndose furtivamente a través del escenario, hicieron a su presentación una de las más vigorosas e intensas de todo el festival.

Skullflower

Había mucha especulación respecto a la presentación de Skullflower. Cabe recordar que la relativamente reciente resurrección de este clásico combo de noise rock ha generado gran inquietud en las —consabidamente reaccionarias— huestes del fanatismo noisero; mientras que muchos opinan que la actual versión de esta banda no es sino uno más de los proyectos de Matthew Bower y que éste no debería estar utilizando el nombre de Skullflower, otros celebran esta suerte de actualización. El hecho es que desde que Skullflower comenzó aquel extenso retiro en 1996 —y aun antes— su contundente sonido inicial ya había comenzando a mutar, permitiendo que permearan trazas de jazz, free-improv y drone en su composición, lo cual concluyó alejando a muchos de sus primeros seguidores. Siendo el tema de este festival la celebración del legado de Broken Flag y dado que los trabajos que Skullflower editó bajo este sello —el E.P. “Birthdeath” (1988) y el LP “Form Destroyer” (1989) son considerados piedras angulares en su rubro—, se rumoraba fuertemente la posibilidad de que Skullflower interpretara algunos de los temas contenidos en éstos, e incluso que los demás miembros fundadores, Stuart Dennison y Stefan Jaworzin, podrían conformar la alineación de la noche.

Sin embargo, a la llegada de la banda al escenario, quedó claro que tal no sería el caso; la alineación de la banda estaría conformada por Bower y la adición de algunos otros músicos considerablemente más jóvenes, y a pesar de que había ecos de temas clásicos en sus incursiones sónicas, sería sumamente difícil decir con certeza que se trató de éstos. La naturaleza propia del trabajo de Skullflower hace prácticamente imposible señalar con exactitud el desarrollo de un tema. Si lo eran o no terminó resultando totalmente irrelevante, ya que los dos cortes que presentaron terminaron siendo dos mastodónticas piezas repletas de incertidumbre. Sin cohesión y sin una comunicación clara entre los integrantes, esta alineación de Skullflower se dedicó a extenderse más y más con apenas la base de los repetitivos fraseos de Lee Stokoe y Samantha Davis sirviendo como frágil red. Sobra decir que Jaworzyn no estaba allí. Con esto no quiero decir que su recital haya sido malo; cuando lograban conectar sonaban como una jodida bestia infernal. Lo que sí se debe señalar es que la de Skullflower fue decididamente la presentación más débil de la jornada y una de las más decepcionantes de todo el festival, desgraciadamente; incluso sin tomar en cuenta las expectativas.

Lo fallido de la presentación de Skullflower ilustró una teoría vuelta hecho: cuando la fuerza de la espontaneidad falla, no queda mucho que valga la pena si se opta perseguir el sendero de la improvisación. Desafortunadamente, Never Say When no era lugar donde probar la validez de esta hipótesis.

Ramleh (p.e. set)

La orden directa de Gary Mundy al subir al escenario fue la de subir el volúmen. Más que ninguna otra banda hasta ese momento, Ramleh desgarró con violencia los tímpanos del público reunido en The Dome. Interpretando temas clásicos desde una nueva —por su insistente uso de la electrónica digital— y muy contundente óptica, Ramleh sonaron claros y directos en demasía, algo curioso considerando que las producciones iniciales de la banda siempre fueron sucias y crudas. El bajo de DiFranco ensanchaba el espectro aural violentamente, extendiéndose hasta puntos francamente ridículos y haciendo vibrar cada molécula del lugar en frenesí, mientras la electrónica y las vocales —a veces fallidas en el intercambio de canal limpio a modificado— del gigantesco Mundy crujían en los oídos de los espectadores. El de Ramleh fue un set que, a pesar de que inegablemente tuvo sus bemoles, resultó intensamente sorprendente e indudablemente uno de los más memorables de todo el festival.

s.s + Nancy Molina (fotos)

 

Halflings – Live in Lowell (Collapsed Hole, CHN19, 2012)

Halflings es un dueto de power electronics norteamericano conformado por Jeremy Nissan (Yellow Tears) y Ryan Woodhall (Hands Rendered Useless), el cual poco después de su aparición causó furor en la escena del ruido por sus breves y explosivos sets de electrónica extrema y por su muy personal estilo, el cual retoma el sonido abigarrado y cáustico del noise y lo enmarca, bajo los estándares del género, en breves pero contundentes despliegues de brutalidad. Las influencias de Bloodyminded y Whitehouse son más que evidentes en los sórdidos exabruptos de feedback y el frío minimalismo electrónico de Halflings; pero lo que les hace verdaderamente especiales es la fabulosa energía con que embisten -no hay otra palabra- a su público.

Con todo, Halflings ha sido un dueto sumamente prometedor que, por una u otra razón, no ha podido ofrecer mucha evidencia de su potencialidad. Un album para RRRecords que ha sido tachado de ser un tanto sobremesurado constituye el total del catálogo disponible de Halflings. Sus demás trabajos han simplemente desaparecido en CDRs limitados, ofrecidos por lo que parecieran apenas minutos en distribuidoras como Hanson Records, o en sus shows. Por ello fue tan sorpresivo que Collapsed Hole editara “Live in Lowell” tres años después de que la dupla ofreciera sus más recientes trabajos.

“Live in Lowell” registra una legendaria y breve sesión en la cual Halflings ofrecieron apenas cinco cortes de vibrante y furioso ruido. A diferencia de los conjuntos europeos dedicados al p.e., Halflings parece emplear un mínimo recursos de sampleo o tonalidades lúgubres, concentrándose en la distorsión directa apenas relativamente modulada y en lo que parecen ser oscilaciones sumamente primordiales. Temas como “Teen Sex Epidemic” revelan la dualidad de esta dupla; una que los mismo puede concentrarse en una violencia aural absoluta, absorta en los gritos histéricos y en el ensordecer abuso del feedback, que en una instauración clara de momentos, un seguimiento compositivo que les permite aprovechar el ímpetu de sus sonidos plenamente.

“Live in Lowell” es una excelente introducción al sonido más abigarrado de este dueto. Halflings, en esta presentación, no muestran ningún tipo de contención, desbocando sus rugidos y frecuencias en busca de límites, sacudiendo el a veces acartonado edificio sonoro del que se cuelga la música post-industrial. Edición de 62 copias numeradas en Collapsed Hole. (s.s.)

Bizarre Uproar – Viha & Kiima (Freak Animal Records/Filth & Violence, LP035/s/n, 2011)

“Viha & Kiima” es uno de esos discos que es mejor mantener lejos de aquellos ojos y oídos que se escandalizan con facilidad; las visiones expuestas en él no son de aquéllas que aboguen por la tolerancia, el respeto o nada ligeramente bonito, en general. La portada es buena muestra de cuán retorcida es la retórica de este proyecto finés: la imagen es una pintura de Jukka Siikala llamada “Where Are You Now? (Portrait of Fallen Angel),” o lo que es lo mismo: “¿En dónde estás ahora? (Retrato de Fallen Angel).” Quien haya seguido un poco a Bizarre Uproar sabrá que Fallen Angel constituye la mitad performancera de este dueto (además de ser la compañera sentimental de Pasi Markkula -Mr. Bizarre-), y que esta bella imagen es, pues eso, una visión imaginaria del cadáver de dicha damisela tras haber sido quirúrgicamente abierto, exhibiendo sus órganos a todo color, justo a punto de desperdigarse por el suelo.

Los contenidos líricos no distan mucho de la naturaleza de esta gráfica. Mientras la primera pieza está dedicada a los “sucios hoyos” y predice una “muerte cierta para todas las prostitutas” en un delicado despliegue de misogínia, el segundo corte habla de las “ratas negras” que “diseminan enfermedad.” En general, la perspectiva de Bizarre Uproar es así, reaccionaria, machista, visceral y embotada de un racismo tan irracional como el que más. Su lema, “verga y puño” (“nyrkki & kyrpä”), muestra automáticamente que sus formulaciones no tienen nada de apologéticas y, sin más, aleja a cualquiera que pueda tener dudas de que su proyección se trata de una sumamente violenta, visceral y obscena.

En cuanto respecta a su sonido, “Viha & Kiima” es, igualmente, directo. El primer tema es apuntalado a base de una distorsión gruesa y pulverizante. Un caudal turbio de ruido grave y orgánico que apenas se ve modificado en tonalidades marca la frenética pauta seguida durante este extenso tema. Los rugidos de Markkula complementan perfectamente la turbiedad de su electrónica cruel e implosiva. El segundo corte es aún más feroz en su embate de frecuencias extremas y vocales. La extensión granular del ruido, sustanciada con aún más crudeza por el vinil, hace que este corte sea un embate directo a las visceras, un puñetazo de sonidos espesos y robustos. La mezcla de las vocales es impactante, al repetirse retorcidas y enlazadas entre sí, volcándose hacia un caos de rabia infinita.

La segunda cara de este trabajo incorpora además el empleo de elementos percusivos distorsionados. La turbulencia paquidérmica de los graves se ve aliada a la furia de golpes absurdamente secos, secuencias de aporreos sobrepuestas en una banda de Moebius, una sobre otra, hasta arribar a un caos seco, contundente. Las vocales aparecen solamente entonces, cuando la anarquía sónica ha llegado a un estadio ridículamente absoluto. Incluso la desintegración de este veneno aural resuena rabiosa e intimidante. Mientras los golpes van desvaneciéndose, los zumbidos del feedback van apoderándose del espacio y las vocales van haciéndose más y más virulentas. El tema final del álbum, conjuntando metales corroídos y túneles de distorsión nuevamente, parecería acercarse más evidentemente a la naturaleza correosa y enmarañada del harsh noise. Lo que hace la gran diferencia es, de nuevo, las rabiosas vocales de Markkula que aquí resuenan más como furiosas consignas callejeras que como las letras de un álbum. Cierto, el enfoque es legítimamente power electronics, pero la convicción y la dureza con que son articuladas es difícil de comparar, incluso en ese rubro.

De los álbumes que he tenido ocasión de escuchar de este artista, éste es el que con más claridad y calidad podría servir para ejemplificar la diversidad sónica de Bizarre Uproar. Al mismo tiempo podría señalarse que la metralla ruidística contenida en “Viha & Kiima” es tan intensa como la del más dedicado harsher, como que los aporreos al metal contenidos en el álbum son frenéticamente desquiciantes y que la ejecución vocal es intimidante sin más. No puedo más que recomendarlo ampliamente pero, eso sí, recalcando, esto es ruido sumido en la más profunda negatividad, política, ideológica, existencial. Si no estás dispuesto a dar un vistazo al abismo, mejor ni te acerques. No acepto reclamaciones. (S.S.)

 

Kilt – Kitchen Sorcery (Prison Tatt Records, PT 005, 2011)

A pesar de ser tan prolíficos y de ofrecer trabajos de usualmente buena factura, las carreras de los ruidistas que componen el dúo Kilt, Bob Bellerue y Raven Chacon, siguen siendo poco conocidas. El más reciente álbum de este combo, “Kitchen Sorcery,” los muestra consolidando su sonido a través del apego incondicional a la forma libre en una serie de variados despliegues de improvisación, nivelando su falta de seguimiento estructural mediante la constancia de momentos instrumentales de peso.

El empleo dominante de movimientos lentos y relativamente estables -incluso rítmicos por momentos- aplicados a frecuencias graves -a través de lo que parecen ser sintetizadores- sirve para engendrar una atmósfera obliterantemente abrumadora y espesa. Este sencillo artificio funciona además como una suerte de red que prohibe la posibilidad de una caída estrepitosa la mayor parte de las veces.

En lo que refiere al registro, en ninguno de los dos primeros cortes de “Kitchen Sorcery” Kilt llega a latitudes claramente ásperas; sin duda hay momentos de estridencia y abrasión, pero sin llegar jamás a la filosa virulencia del ruido en pleno. El intercambio que establecen Bellerue y Chacon parece estar mayormente basado en la confección de ambientes gruesos y sendas tunélicas de fibrosidades ásperas, que en lo estrepitosamente sórdido. Tal fórmula funciona adecuadamente en los dos primeros cortes; pero aún así, el peso de la incertidumbre formal termina por arrojar momentos de comunicaciones desafortunadas, seguimientos forzados y momentos evidentemente inacabados. Algunos momentos de calma permiten ver con claridad el sencillo jugueteo que la dupla realiza con pulsos sincopados y frecuencias retorcidas. Sus movimientos son lentos y denotan una dinámica poco elaborada. Desgraciadamente para el total del álbum, se vuelve sencillo encontrar indicios de que la comunicación y la constancia adolecen.

El trabajo en estudio, por otro lado, ofrece a “Kitchen Sorcery” ciertas ventajas que no poseen la mayor parte de los trabajos de noise; paneos, momentos de énfasis en algunas de las mejores formulaciones sónicas e incluso algunos overdubbings que dan vigor a la generalidad del trabajo.

El tercer corte, grabado en vivo, repite la fórmula de los anteriores, aunque apoyándose más evidentemente en una suerte de formulación droner a manera de muletilla. Nuevamente, surgen momentos brillantes que se impactan contra otros desafortunados. Con todo, la pesadez y la fuerza de la formulación final, sobre todo tratándose de una grabación en directo, son encomiables. De manera inesperada, sin embargo, se presenta el mejor corte de “Kitchen Sorcery.” La joya de este ábum es un brevísimo e inesperado encore a la presentación, en el cual, conservando la rúbrica grave, Kilt genera un afortunado y dinámico -aunque brevísimo- asalto de harsh noise que observa un peso inusualmente arrollador.

“Kitchen Sorcery” es un disco cuya motivación yace, en buena medida, en la propagación del mensaje de Kilt, algo constatable desde el sencillo hecho de que su presentación viene realizada en cd, en vez de cinta o cdr. Pero lo cuestionable del álbum aparece, precisamente, desde la naturaleza misma de su mensaje; pocos son los combos capaces de ofrecer improvisaciones que sostengan su tortaleza de principio a fin y tal no es el caso de los artífices de este álbum. Lo curioso es, sin embargo, que la formulación en directo se siente tanto más efectiva que la del estudio. ¿Quién sabe? Quizás con el tiempo Kilt sean finalmente capaces de sostener el balance entre espontaneidad y enfoque sónico que hace falta a “Kitchen Sorcery.” (S.S.)

Maurizio Bianchi – OIRT EMO-DNE (Mirror Tapes, MT009, 2011)

Cuando Maurizio Bianchi editó las grabaciones que llegarían a considerarse parte de su etapa dorada (1980-1984), era simplemente imposible que imaginara los alcances que sus primordiales proyecciones aurales cobrarían en la historia de la música underground. Aislacionistas, industriales y ruidistas por igual le aclaman como mesías propio y, en los momentos más neuróticamente introspectivos de estos y otros géneros sonoros, puede trazarse la influencia que monolitos de ruido, filtros y distorsión como “Carcinosi,” “Industrial Tape” o “The Plain Truth” han sostenido por ya más de tres décadas.

Afortunadamente, en este momento, los primeros trabajos de Maurizio Bianchi han logrado mantenerse en catálogo gracias a constantes y cuidadosas reediciones; un cambio de mentalidad por parte del italiano—quien había abandonado del todo su trabajo sonoro para consagrarse a su religión- lo ha llevado a interesarse nuevamente en la vigencia de sus antiguas producciones e, incluso, en ofrecer nuevos trabajos. Lo curioso es que, tras un abisal silencio de más o menos 14 años, Bianchi ha decidido rescatar una serie de grabaciones inéditas, cintas privadas que provienen de aquellos tiempos originarios y que, supuestamente, preservan la primitiva magia que diera origen a las que son consideradas sus obras maestras. El más conocido de estos rescates de material de archivo llegó en “Evidences 1: Final Industrial Music 1980” (Vinyl on Demand, 2007), caja quíntuple de vinilos que reúne tracks inéditos o perdidos en arcaicas ediciones limitadas, así como en las reediciones de los diez primeros álbumes (“Archeo#1,” 1998; “Archeo#2,” 2000 y “Mectpyo Box,” 2008)  a cargo de su propia disquera, EEs’T Records, en las cuales se agregaron le agregaron al material original fragmentos o piezas donadas a compilados.

Mirror Tapes también ha tenido la fortuna de producir un par de títulos sobresalientes dentro del ridículamente extenso—y muchas veces no demasiado atractivo—catálogo reciente de Bianchi (el cual, entre nuevas producciones y reediciones, casi alcanza el centenar de trabajos). Tras debatir si valdría la pena, decidí darle oportunidad a una de estas cintas, la titulada “OIRT EMO-DNE,” la cual anunciaba rescatar material grabado originalmente en 1981 y tener una cierta relación con las sesiones de “Endometrio” (M.B., 1982), uno de los álbumes más fuertes de Bianchi.

Como es usual con el material de esta disquera malaya, la presentación es excelente: ilustraciones en alta definición, papel de alto gramaje, cintas duplicadas profesionalmente. No encontré nada en este aspecto que me defraudara. Por otro lado, en lo que refiere al aspecto sonoro, esta cinta no es tan fácil de abordar. El primer lado de la cinta está dedicado a un tema llamado “OIRT,” el cual parece estar constituido por los bosquejos de alguno de los momentos de “Endometrio.” Los casi 30 minutos de esta cinta registran el ir y venir de oscilaciones breves, extendidas por delays y un grado muy abierto de decay. Éstas se alternan con lo que parece ser—no me puedo decidir—intromisiones ruidísticas casi aleatorias o la manipulación nerviosa de cables durante el proceso de prueba. Francamente, debo insistir que esta pieza no debe ser promovida más que como material de archivo que es, sin duda, de buena calidad y que invita a repetir su escucha, pero que no debe comprenderse como un corte completo y acabado, proveniente de los archivos de Maurizio Bianchi.

El segundo corte “EMO-DNE” es tanto más consistente. Su sonido es cercano al más estereotípicamente bianchiano: graves borbotones de sonido monótono, sumamente rugoso son persistentemente distorsionados y complementados por rústicos movimientos de osciladores, como una suerte de primigenia estrategia harshnoisera. Al mismo tiempo, un beat extraído de alguna escueta caja de ritmos da seguimiento a los minúsculos cambios con una insistencia intrínsecamente mecánica, constancia deshumanizada al ciento por ciento. El track, en general, se desenvuelve adecuadamente, al compensar una cierta falta de riqueza sónica con una constancia rítmica bastante generosa. Si bien “EMO-DNE” no figuraría necesariamente entre lo más granado de la primera producción de Bianchi, decididamente supera con creces la gran mayoría de sus ofertas recientes.

“OIRT EMO-DNE” no es trabajo indispensable de Maurizio Bianchi, pero tiene bastante que ofrecer. Para el primerizo servirá para adentrarse en la toxicidad sónica de “Endometrio” o “Das Testament” sin mayor sacrificio; para el conocedor, será reunir una pieza más del enigma que conforma el complejo vocabulario auditivo ofrecido por este maestro italiano. Sin más, grabaciones de archivo con un corroído y oxidado gusto a industrialismo auténtico. (S.S.)

 

JUEVES 06 DE SEPTIEMBRE 20:00 HRS
Museo Británico Americano en México.
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Artículo 123 #134 Col. Centro, casi esquina con Bucareli.
Metro Hidalgo o Metro Juárez o Metrobus Juárez.

CURADURIA DE YAIR LÓPEZ (Sociacusia, GDL)1. Armando Castro (Guadalajara, México).
Guitarrista, compositor y artista sonoro; realizo estudios de guitarra en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, en España. Obtuvo el diploma de Técnico en Sistemas de Audio y Sonorización en la Universidad de Valencia, también en España. Realizo estudios de acústica musical en el Conservatorio Nacional Superior de Música y de Danza de Paris, en Francia.2. Yair Lopez & Amanda Gutiérrez http://www.guvarchive.net/
Yair Lopez (Guadalajara, México) es Ingeniero en Comunicación y Multimedia por la UDG. Trabajó con imagen fija y en movimiento. El Sonido siempre ha sido un factor indispensable para su trabajo como un recurso expresivo y musical. López participó en programas académicos del Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS) donde además ha sido becario y artista residente. Entre su discografía encontramos: MARCA Y REGISTRO (DVD), SONORA (CD), Ruleta( NET), Paisaje sonoro de los Pueblos Mágicos de Jalisco (CD), Narita Airport (NET), Ready MEDIA (DVD), Ep ep popo (NET), Paisaje Sonoro del Malecón de Puerto Vallarta (CD), Casa de Omar (NET).

Amanda Gutiérrez (Ciudad de México.) Radicada en Chicago, desde hace ocho años ha trabajado en el campo del performance y el arte sonoro, fusionando ambas disciplinas en proyectos de instalación. Estas propuestas has sido presentadas en festivales y exhibiciones como son; El Primer Encuentro de Performance México-Japón, Tercer Festival Internacional de Arte Sonoro, Segunda Bienal de Arte Contemporáneo en Puerto Rico, Khiasma Gallery en Paris, Francia. The Fellowship Competition 2007 y CAAP 2008 (Community Arts Assistance Program), y fue seleccionada como artista finalista para recibir el premio nacional de arte Artadia Chicago 2009.

3. Anthony Janas. http://www.nihilistrecords.net/ /
Anthony Janas (Chicago, USA). Artista sonoro que vive y trabaja en Chicago, Illinois. Estudia letras Inglesas en la University of Illinois, lo cuál le lleva a desarrollar su interés en la música y su capacidad narrativa. Crece en el núcleo de una familia de cuello azul y educado bajo la mentalidad clasemediera estadounidense. En su trabajo mas representativo como solista se encuentra la producción en cassette de los siguientes albums: Easter Sea (tt tapes) Simpleton Electronics (nihilist records), Birthday (third sex records). En su trabajo de música electroacústica ha colaborado con el grupo de kraut-hause Deep Earth.

Janas utiliza la música electrónica como un mecanismo para examinar y expresar los territorios irracionales y predecibles de la condición humana. Esta exploración se da a través de procesos sonoros con sintetizadores modulares, que permiten la planeación lógica y computarizada de este instrumento. Los sintetizadores modulares tienen la capacidad de procesar información cruda que puede conformar la estructura de una melodía simple. Dicha información logra expresarse y comportarse con elementos que pueden parecer sin fundamento, o que pueden ser interpretados bajo estructuras musicales que son abstractas y experimentales.

VOLTA
Es un proyecto independiente, por lo que no hay un cover fijo, ya que creemos fielmente en la reciprocidad y pedimos una cooperación voluntaria. Así que si te gusta el proyecto, el beneficio es mutuo. El publico tienen la oportunidad de asistir a los conciertos y la cooperación económica le permite a los artistas seguir haciendo su trabajo.

JUEVES 06 DE SEPTIEMBRE 20:00 HRS
Museo Británico Americano en México.
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